L’accoglimento del cinema nel sistema delle arti è stato un processo lento e non sempre pacifico. “Non si può trasformare un film in un’ opera d’arte, aumentando ed esaltando la sua qualità. Si possono riunire i migliori attori del mondo, farli recitare nei più deliziosi paradisi e arricchire il programma del film con i nomi dei più eminenti poeti-ma da tutto ciò non nascerà mai l’arte: U’n opera d’ arte risulterà solo in quanto nata dalle possibilità e dalle esigenze dei materiali che la compongono.” Questo scriveva Walter Ruttmann, pittore espressionista che nel 1918 sviluppa l’idea della “pittura in movimento”, creata utilizzando tecniche cinematografiche, dipingendo ad olio su superfici di vetro e fotografando poi ogni movimento dall’ alto illuminando dal basso.
La prima parte dei rapporti tra cinema e pittura avviene, infatti, nel segno di una subordinazione della settima arte al mondo pittorico, quando l’immagine cinematografica diventa grafica. Con le Avanguardie storiche prende corpo il fenomeno dei film realizzati da artisti, dove la macchina da presa è usata in funzione di ricerche sperimentali.

Il presente articolo è il primo di una serie che intende presentare esempi di film-documentari in cui alcuni artisti, a volte diretti da grandi registi, dipingono di fronte alla macchina da presa, proponendo la propria tecnica al servizio dello spettatore. Questo processo, ben diverso dai film di finzione, mette in evidenza le particolari problematiche di realizzazione di un’opera d’arte e ne svela il concetto della durata della creazione, che può divenire parte integrante dell’opera stessa, una dimensione supplementare da non ignorare allo stadio conclusivo: quando l’immagine filmata diventa l’unico testimone di opere andate perdute, allora se ne intuisce la preziosità!
Senza cadere nel tranello di inoltrarsi sul terreno insidioso nel quale si trattano le differenze fra immagine in movimento e immagine fissa, si può semplicemente affermare che il momento più intimo e creativo di un artista sia condensato in ciò che si prova vedendo, ad esempio, in primissimo piano le mani di uno scultore mentre carezza la creta o il gesto espressivo di un pittore chino sul foglio mentre traccia linee che fissano forme e immagini dalla grande forza espressiva. Sarà quindi questo il punto di vista da cui osserveremo l’opera e i lavori di alcuni artisti: quello dell’obiettivo di una macchina da presa.

Frida Kahlo è in mostra alle Scuderie del Quirinale, a Roma, dove un’ampia raccolta di opere della pittrice messicana è aperta al pubblico fino al 31 agosto 2014; proprio qui, nella seconda parte della mostra, si possono ammirare spezzoni di film-documentari a lei dedicati: due grandi schermi si fronteggiano e delle comode sedute ne permettono la visione ai visitatori. Nella maggior parte di questi filmati, girati da Nicolas Muray (fotografo statunitense), non è presente l’audio, sono quasi tutti in bianco e nero (solo una piccola parte è a colori); l’artista appare serena e a proprio agio con l’obiettivo della macchina da presa; i video ci restituiscono viaggi in treno, incontri con artisti, gite in campagna e i momenti nella Casa Azul, luogo d’arte e di vita di Frida.
Rari sono, invece, i momenti in cui abbiamo la fortuna di ammirare Frida mentre dipinge, probabilmente perchè non se ne sentiva la necessità: la vita e l’opera di Frida Kahlo sono legate l’una all’altra; lo si vede nelle foto: “subito colpisce , insieme alla grazia e all’eleganza, la sua bellezza, ma soprattutto quel suo modo serio, mai grave, non malinconico , di risiedere in se’. Nessuna partecipante espressività. Quanto invece una tendenza a contenere i margini, chiudere stringere, possedere e possedersi, che è ancora piu chiara quando accanto c’è Rivera. Quanto più lui straripa, tanto più lei è forma certa, forma condensata. Frida sembra aver dipinto solo autoritratti, ma non sono autoritratti, il suo viso vi compare come un' immagine data una volta per tutte. Usando la forma dell’auto ritratto in realtà si libera dell’autobiografia. “(Patrizia Cavalli in: Doppio ritratto, Ed. Nottetempo, collana Gransassi 2008, Curatore Secci M. C.)

Scrive di se stessa Frida nel 1939: “Dato che i miei soggetti sono sempre stati le mie sensazioni, i miei stati d’animo e le reazioni profonde che a mano a mano la vita suscitava in me, ho spesso oggettivato tutto questo in autoritratti, che erano quanto di più sincero e reale potessi fare per esprimere i miei sentimenti e le mie sensazioni”.

Per quanto riguarda invece il suo compagno di vita, Diego Rivera, il discorso cambia. Numerose le testimonianze filmate che lo ritraggono all’opera sui suoi immensi murales; in uno di questi preziosi documentari, girato in pellicola 35 m/m dal titolo: 'A portrait of Diego: the revolutionary gaze' di Gabriel Figueroa Flores and Diego Lopez Rivera, possiamo ammirare la realizzazione, per il Rockfeller Center di New York (1933), di “Men at the crossroads”, murales che nonostante la protesta popolare, viene coperto ancora incompiuto con carta catramata e pannelli e successivamente staccato e distrutto.
Di questa immensa opera incompiuta rimane traccia ormai solo sulla pellicola!

Documenti filmici in bianco e nero che ci restituiscono anche una Frida sotto una luce diversa: spesso, mentre Diego dipingeva, Frida, che lo aveva seguito a NY, vestiti i panni della “brava mogliettina” (atteggiamento che aveva anche la prima moglie di Rivera), entra nell’inquadratura con cestini colmi di cibo e si ferma spesso ad ammirare e a criticare l’opera del marito. Il documentario della durata di 79’ è completato solo nel 2007, a cinquant’anni dall’inizio della lavorazione, grazie all'aiuto del nipote dell'artista; interrotto nel 1957 con la morte di Rivera, include i suoi lavori più famosi e racconti di esperti d'arte e membri della famiglia. Ritrovati i materiali dell’epoca, inediti e mai montati, il figlio di Figueroa e il nipote di Rivera hanno dato alla luce questo film, che diviene una sorta di manifesto dell’arte muralista e di un’epoca cruciale per la storia politica e sociale del Messico. Nella paradossale presa diretta che si crea, passato e presente, memoria personale e storia ufficiale si uniscono. Il film diviene un’esperienza temporale unica sia per i registi, sia per il pubblico, che può addentrarsi in un periodo storico chiave tramite le voci e gli occhi degli stessi protagonisti. Il film, inoltre, è una lezione per gli artisti di oggi su come si possa lavorare insieme e far sì che la propria arte superi se stessa e diventi una sorta di visione del futuro.

Dopo la mostra presso le Scuderie del Quirinale di Roma, che ha inserito l’opera di Frida Kahlo nel contesto della avanguardie internazionali del suo tempo, a partire dal 20 settembre sarà possibile visitare l’esposizione di Palazzo Ducale, organizzata da Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura, dove il rapporto di questa coppia di artisti viene messa a confronto: l'opera di Frida sembrerebbe essere incompleta senza la spalla che Diego Rivera offre alla sua fragilità. La mostra di Genova è curata dall’autrice del catalogo ragionato, Helga Prignitz-Poda, con la collaborazione di Christina Kahlo (nipote di Frida) e Juan Coronel Rivera (nipote di Diego).
Dalle brochure sembrerebbe mancare, all’interno del progetto espositivo, una parte dedicata ai documenti filmati dedicati a Diego Rivera, nonostante la grande quantità e qualità del materiale esistente. Si è sempre discusso riguardo alla differenza di fama di questi due grandi artisti e amanti; probabilmente Diego riuscì a dare espressione visiva ai problemi del suo Paese rimanendone nella memoria collettiva, ma Frida ha sempre parlato ai sentimenti universali dell’uomo: il risultato è che lei rimane un’icona oggi come allora, non solo in Messico, ma in tutto il mondo. Per quanto riguarda i filmati a noi arrivati, purtroppo, Frida perde la sfida.